音に包まれて

Revue Musicale Suisse 初出 — 2020年3月
Pia SchwabによるJürgen Straussへのインタビュー

聴覚を持つ人間として、私たちは常に「雲」— 拡散した音響場 — に囲まれています。その成分が、声や音楽が私たちにどのように作用するかを決定します。Jürgen Straussは、砂糖のような音像と、私たちを冷たく感じさせる音像について語ります。

音響において「雲」という言葉で表せる現象とは何ですか？

誰かが話したり音楽を奏でたりし、別の人がそれを聴く音響状況では、時間的な順序として、まず直接音を知覚することが特徴です。その出来事が室内で起こる場合、部屋の構造によって、まず床からの反射、次に側面反射、その次に天井反射、そして最後にあらゆる方向から到来する反射が互いに重なり合って届きます。これが部屋の音響応答と呼ばれるものです。

あらゆる聴取位置や聴取状況は、音源からの直接音と部屋の音響応答との非常に固有な関係によって特徴づけられます。この重ね合わせを通じて、反射は技術的に拡散音場と呼ぶものを形づくります。この拡散音場は、比喩的には雲として表現できます。

「雲のない」聴取のほうが、はるかに望ましいのではありませんか？

自宅、職場、あるいは電車の中で、私たちは部屋や空間が固有の応答を返すことに慣れています。世界が音響的に応答しなくなると、多くの人は、まるで宇宙空間にいるかのようにむき出しにされた感覚を覚えます。それはすぐに不気味なものになり、方向感覚を失います。

録音スタジオのように反射の少ない空間で働く人々は、しばらくすると時間感覚を失うことに気づくことがよくあります。通常、私たちはそれぞれ固有の音響応答を持つ空間の連続を移動することで、時間の中を進んでいます。次に失われるのは、空間の感覚です。

つまり「雲」は、私たちを空間と時間につなぎ留めているのですか？

その通りです。私たちの知覚、ここでは特に聴覚知覚は、反射を通じて空間の感覚と時間の感覚の両方を構成しています。

これは、視覚障害のある人々がどのように自分の位置を把握するかを考えると、すぐに理解できます。空間内の反射を評価することで、彼らは驚くほどの定位能力と空間性の印象を得ます。テーブルの周りを移動し、階段を認識し、さらにはティーカップの大きさに至るまで、物体の非常に生き生きとした印象を作り出すことができます。

私たちは皆、ある程度これを行うことができます。それは単に訓練の問題です。しかし通常は、視覚によって自分の位置を把握するため、それに頼っていません。それでも反射を通じて、私たちも方向感覚と空間の印象を得ています。小さな部屋にいるのか、長い廊下にいるのか、といったことは常にわかります。

視覚知覚との類似点はありますか？

直接音が拡散音場に対して弱くなるほど、音は柔らかく、輪郭が曖昧になり、輝きの効果が抑えられたように感じられます。これは光と完全に類似しています。

たとえば1950年代のポートレートレンズなど、カメラレンズを比較すると明確です。レンズに入り、直接フィルムに届く直接光は直接音に対応します。レンズ内部で散乱し、端で反射する光は拡散光を生み出します。

Leicaは特定の研磨を施したレンズを製造しており、輪郭と色をわずかに柔らかくするため、ポートレート写真に非常に適していました。

「…しわ…」

「…まさに…」

ポートレートには反対のアプローチも用いられました。たとえばHelmut Newtonによる裸の戦士のような女性たちの写真、そしてその視覚美学の一部としてのNikonレンズです。これらのレンズは、純粋な直接光を捉えようとします。そのため、それらの写真では毛穴のひとつひとつまで見える一方、Leicaの画像は柔らかく、わずかにぼやけて見えるのです。

音楽録音にも同じような対立する傾向がありますか？

これらのLeicaポートレートレンズが人気を博していたのと同じ頃、ステレオ録音が登場しました。1954年頃に本格的に始まったのです。英国のレーベルDeccaは、ジュネーブのVictoria Hallで初期のステレオ録音をいくつか制作しました。それらは良好な直接音、美しい明瞭さ、はっきりと聴き取れる音像の輪郭を特徴としながら、同時に強い室内音響応答も持っていました。オーケストラと演奏空間の一体感を聴くことができました。

その後の発展において、交響曲はもはや一定の距離からだけ録音されるものではなくなりました。エンジニアはマイクを演奏者のすぐ近くへ、より頻繁に近づけるようになりました。いわゆるサポートマイクがオーケストラ内部、楽器から半メートルまたは1メートルほどの位置に置かれました。これがいわゆるマルチマイク録音技法になりました。EMI、そして後にDeutsche Grammophonがこのアプローチで有名になりました。

5、6、または7メートル離れた位置から、部屋の反射の一部を含むオーケストラの一種の「集合画像」が作られました。この画像に、サポートマイクを通じてオーケストラ内部から直接捉えた信号が混ぜ込まれました。

その結果として生まれた音像をコンサート状況に置き換えるなら、片方の耳では演奏者の膝の上に座り、もう片方の耳ではホールの後方に留まっている、ということになります。

この像を均質化するため、混合物は比喩的にソースで覆われました。それは部屋そのものに由来しない人工残響です。このプロセスを経て初めて、私たちが現在録音で普通に聴いているオーケストラサウンドが現れました。

Karajanとベルリン・フィルハーモニー管弦楽団は、まさにこのサウンドで有名になりました。精度、ディテール、楽器の音色を並外れて明瞭に聴くことができます。しかしそれは、地球上のどのコンサートホールでも実際には聴くことのできない音像です。

では、私たちは不自然なものを好むのでしょうか？

ディテールの豊かさと親密さの印象は、どうやら非常に大きな魅力を持っています。これは録音そのものの導入時点からすでに観察できます。

Carusoがアコースティックホーンに向かって歌っている写真を見ると、彼はおそらくホーンから30センチほどの距離に立ち、伴奏者たちもできる限り近くに立っています。ホーンは実質的にマイクとして機能し、ほぼ純粋な直接音を捉えます。

Carusoは、ほとんど私たちの耳元に直接歌いかけているのです。

「その通りです！彼は非常に近い。そこに一種の親密さが生まれます。話し声に関しては、私たちは苦もなく追うことができます。比喩的に最前列、あるいは舞台上に座る可能性は、最初から聴衆に熱烈に受け入れられました。

おそらく、私たちは出生時から、さらには出生前から、声との関係において専門家だからでしょう。それは砂糖のようなものです。私たちはいくらあっても満足できないのです。」